Allí estaban, en el escenario del Teatro Arenal, cuatro jóvenes creadores (Alicia Serrat, Ferrán González, Gemma Martínez y Joan Miquel Pérez), a cada cual más virtuoso, que rondan los 30, y que hacen desternillarse a todo el auditorio entre chuflas, dramatismo, las mil posturas del Kama sutra y unas letras acompañadas de piano en directo que quitaban el hipo.

¿Qué de qué va el espectáculo? Pues, la verdad, da un poco de vergüenza explicarlos, así que, para ir abriendo boca, os dejo con el texto con el que empieza la obra y que ejecuta la enfermera que, dicho sea de paso, se desdobla milagrosamente en varios personajes con mucho virtuosismo. Así reza el inició:

“Bueno, supongo que no es necesario que les ponga en situación porque la situación es muy clara, vaya yo diría que clarísima y a un puntito de herir la sensibilidad de una servidora. El diagnóstico está claro: estaban fornicando y se han quedado pegados, un hecho normal pero no por ello común, o al menos entre humanos…Pero lo pasado, pasado está. La putada es que les ha pasado a ustedes, oh, vaya, ya ves, que lástima. Si no hubiesen fornicado no les hubiera ocurrido, es la ley de Murphy. Bueno no, no es la ley de Murphy, pero ¿y qué? En cuanto llegue el doctor les visitará y les separará. ¿Que cuándo llegará? Aaah, “¿qui lo sá?”.

Si llegara ahora mismo terminaría el espectáculo. Así que vayan cantando que esto es un musical y yo no estoy pa hostias. “¿Alguna pregunta?”.

En definitiva, si sigo hablando te destripo todo el espectáculo y no es plan. Lo suyo es que si tienes ganas de pasar un rato más que agradable, en serio, reír de lo lindo y, encima, te gustan los musicales, no te lo pierdas.

Estos jóvenes artistas, los cuatro protagonistas que terminan siendo alguno más, son realmente buenos, auténticos, polifacéticos. Pero eso sí, cuando te compres la entrada que no se te olvide exigir que ninguna columna interrumpa tu visión del espectáculo porque el montaje es bueno, de eso no hay duda, pero no toda butaca en la sala dispone de la misma visibilidad exigible.

Por el momento, me dice la productora que estará en cartel, como poco, hasta finales de julio. Ve a verlo, nada de lo que pueda decir hace justicia, si lo tuyo es el teatro o el cante, el ingenio que derrochan estos creadores te hará disfrutar de lo lindo. Por cierto, que las funciones son a las 20.00 horas los jueves, y a las 20.30 los viernes, sábados y domingos.

Te dejo con un vídeo para que te vayas poniendo a tono:

Foto: Shlomi Bitton.

Tras la presentación el pasado diciembre de ‘Teaser 1: Run Shlomi, Run’, Sholomi Bitton & Company regresan al escenario del teatro Tantarantana, los días 2 y 3 de junio, para presentar el punto central de esta trilogía de espectáculos: ‘Teaser 2: Shh… Where you heading fool?’.

Para entender la obra podemos empezar por traducir su título, y es que “teaser” tiene cuatro posibles significados. Por una parte es una persona bromista que se burla de los demás, por otro lado también puede ser un anuncio de presentación de un producto, además también se refiere a una tarea o cuestión complicada y engañosa y, por último, también puede decirse de alguien que provoca sexualmente a otro sin la intención de satisfacer o despertar su deseo.

Pero en esta obra, la joven artista Sholomi Bitton explora lo fugaz y momentáneo de la vida actual a través de historias breves en las que mezcla danza, teatro, artes visuales y música en directo. Una explosiva creación que conjuga distintas disciplinas del arte en un solo escenario y que dan fe de que la originalidad del israelita Bitton ha sido reconocida con varios premios alrededor del mundo.

Para finales de año se prepara la presentación de ‘Teaser 3: Get the money and run’. Más información aquí.

El concurso, que ya celebra su séptima edición y en el que también colaboran las Consejerías de Cultura y Educación de las comunidades autónomas, toma el nombre del célebre autor de la magistral ‘Historia de una escalera’, el dramaturgo español Antonio Buero Vallejo, que nos dejó un gran legado artístico teatral.

Así que ya sabéis: si tenéis entre 14 y 21 años y un grupo de teatro con ganas de subirse a un escenario, no esperéis más para inscribiros en el certamen. Hay dos categorías, escolar y no escolar, así que podéis participar tanto si vuestro grupo pertenece a un instituto como si corresponde a una asociación cultural, compañía independiente, etc.

El coordinador/director de vuestro grupo tiene hasta el 26 de abril para hacer la inscripción de la obra a representar en esta web (pincha aquí) y completarla enviando por correo un DVD de vuestro montaje a la dirección correspondiente a cada comunidad.

Asimismo, hasta el 15 de marzo, podéis también preinscribiros con una breve ficha y os llegará un código para entrar en la ‘Bueroteca’. ¿No sabes lo qué es? Inscríbete y te sumergirás en todo un mundo de consejos para aplicar tanto delante como detrás de las bambalinas.

**********IMPORTANTE*******
-El plazo de inscripción finaliza el próximo 26 de abril.
-Consulta las bases completas aquí.
- Para cualquier duda contactar con la Oficina Técnica en informacionbuero@premiosbuero.com y en el teléfono 91 361 27 52.

Foto: Myspace de Paco Bezerra

El escritor almeriense Paco Bezerra acaba de ser galardonado con el Premio Nacional de Literatura en la modalidad de Literatura Dramática, por su obra “Dentro de la tierra”.

Este premio lo concede el Ministerio de Cultura para distinguir una obra de autor español escrita en cualquiera de las lenguas oficiales del Estado y editada en España durante 2008. Está dotado con 20.000 euros.

Bezerra (Almería, 1978) es dramaturgo, letrista y actor. Ha publicado diversas obras de teatro y ha obtenido varios premios de teatro, entre los que destaca el Barahona de Soto (ganador) en 2004, y el Premio Miguel Romero Esteo de teatro breve (finalista) en 2004, ambos por la obra “Viaje a Tindspunkt”, o el Premio de Teatro para Autores Noveles “Calderón de la Barca” por la obra “Dentro de la Tierra” en 2007, entre otros.

Como actor, es protagonista del cortometraje “Ricardo Piezas descatalogadas“, dirigido por Hermanas Rico. También ha intervenido como actor en diversas obras, en Almería y en Madrid, como “La pesadilla”, de Rafael G. Gosálbez, “Un tranvía llamado deseo“, de Tennessee Williams o “Noche de juerga”, de Harold Pinter.

El jurado de esta edición estuvo formado por el académico Luis María Anson; Iñigo Ramírez de Haro, de la Asociación Española de Críticos Literaios; Rosana Torres, de la Federación de Asociaciones de Periodistas de España (FAPE), y la dramaturga  Helena Pimienta, entre otros.

Foto: Ayuntamiento de Irún

Irún volverá a inundarse a partir de mañana, y hasta el 25 de octubre, de grupos teatrales y jóvenes artistas que participarán en la vigésimo quinta edición de ‘La Muestra de Teatro Joven de Irún’.

Este festival, original en su meta, tratará de ofrecer una mirada introspectiva. Para ello analizará sus orígenes y a aquellos grupos y artistas autóctonos, de ahí que seis de las trece compañías participantes sean de la propia localidad. Narizzetto, Ibilki o Ezezagunok son un ejemplo de los grupos de jóvenes iruneses que brindarán al público talleres, animación callejera y representaciones en euskera.

Cristina Laborda, delegada del área de Juventud del Ayuntamiento de Irún ha comentado:

“Esta edición quiere ser un agradecimiento a esos grupos iruneses que han hecho que la muestra sea lo que es”.

Sin embargo, también se colarán en esta fiesta teatral productoras en castellano y que pisaron con gracia, hace más de una década, las tablas de Irún. Este es el caso de la compañía andaluza Malaje Solo que nos ofrecerá su espectúculo ‘Fiesta‘.

‘La tía Juana’, ‘¡Menudo circo!’, ‘Alma candela, calor humano’ o ‘La antesala’ son algunos de los títulos de las representaciones que se podrán ver en la ciudad vasca.

Por su parte, Inquedanza deleitará al personal con una mezcla de teatro y danza moderna y, allende los mares, con la obra ‘Mientras mamá no está’, llegan los argentinos Juruju jaja.

Los objetivos que el Ayuntamiento de Irún persigue con esta muestra no deja indiferente a los incipientes creadores. Entre ellos está  el fomentar los jóvenes grupos de teatro, apoyar la creatividad y vanguardia juvenil, así como su manifestación y expresión.

Asimismo, el consistorio propicia la promoción y difusión de los trabajos de las compañías teatrales integradas por jóvenes,  y anima y motiva la participación juvenil, es decir, “ pretendemos acercar a nuestros jóvenes a los escenarios”.

Todo un festín de jóvenes artistas que podrán, una vez más, el listón muy alto para que este género no decaiga, permanezca e ilustre a un público minoritario, pero selecto, en el que esta vez caben y son bienvenidos también los jóvenes espectadores.

Foto: Joan Quintas

Joan Quintas es uno de los muchos jóvenes artistas que hemos conocido en Facebook en el grupo ‘Jóvenes artistas y creadores‘. Nos ha llamado la atención para lo joven que es, las ganas que tiene de hacer cosas, y su talento para la escenografía. Aquí va una pequeña entrevista.

Eres Estudiante de Escenografía en la RESAD (Real Escuela Superior de Arte Dramático) y te consideras artista plástico y visual. ¿fue fácil para ti definir tu carrera? Tenías claro lo que querías hacer desde siempre?

No fue fácil definir mi carrera. Al principio quise hacer Arquitectura, lo intenté en Buenos Aires pero me empecé a dar cuenta de que no me gustaba la parte técnica de la carrera, ya que siempre me gustó darle más rienda suelta a mi creatividad. Cuando llegué a Madrid me incliné por Bellas Artes pero quería combinarlo con alguna otra rama del arte, y así fue como fui a parar a RESAD y me interesé por la Escenografía. Me encanta pasar de la palabra de una obra de teatro a la imagen.

¿Has trabajado ya en algún proyecto de escenografía?

Sí, he trabajado sobre todo dentro de la propia RESAD. Con la obra “Las metamorfosis” fuimos al Café Teatro de Lavapiés llamado Artepolis y el último trabajo que realicé, ”Catulli Carmina”, se estrenó también en el Círculo de Bellas Artes.

¿Cómo se eligen los decorados, escenarios etc? ¿En qué te basas para decidir y crear?

La elección del tipo de decorado y escenarios siempre viene de la mano del equipo artístico con el que trabajas, sobre todo del director/a, quien tiene siempre la última palabra dentro del proyecto que se realiza, obviamente teniendo en cuenta las opiniones de los demás. Aunque desde un principio hay ciertas reglas que uno debería de seguir y son imprescindibles. Desde mi punto de vista, es bueno comenzar con el análisis del texto, recoger las primeras impresiones de la obra (ya sean imágenes, palabras, fotografías, etc) como si de un cuaderno de bitácora se tratase y luego continuar el trabajo de la mano del director/a, con quien debemos de mantener continuas reuniones y seguir trabajando en torno a las decisiones tomadas para llegar a un resultado común. Desde luego que para que el resultado sea colectivo, es imprescindible mantener el contacto con la persona que realice la iluminación y la que realice el vestuario. Así, lo que se vaya a poner en escena estará adecuado en todos los sentidos.

Otro punto a tener en cuenta es el momento en el que el director comienza el trabajo con los actores y los ensayos, es muy importante saber por dónde, cómo y por qué se mueven los personajes. Además es interesante ver cómo utilizan los actores la escenografía puesta a su disposición, porque muchas veces vemos cómo da juego un objeto o un lugar que a nosotros nos había pasado por alto.

¿Qué parte de este trabajo es el más difícil?

Es llegar a “leer” la mente del equipo artístico para lograr ese resultado en común en el que todos estén contentos. Muchas veces hay que aceptar que hay que volver algunos pasos para atrás del camino de la creación y volver a empezar desde ese punto.

¿Dónde se usa más la creatividad?

La creatividad realmente no tiene un sitio concreto en el trabajo escenográfico. Muchas veces una escenografía puede ser simplemente un objeto, a veces es un espacio vacío y neutro donde la iluminación es protagonista, o incluso una simple prenda de vestir ya es una escenografía. Este tipo de trabajo me parece el más interesante, utilizar lo que ya tenemos para crear algo nuevo, algo muy actual teniendo en cuenta el tema del reciclaje que vemos hoy en día ¿no?.

Muchas veces ves algo tirado en la calle y eso ya te puede llegar a servir, así es cómo muchos escenógrafos terminamos teniendo ciertas tendencias al síndrome de Diógenes…

¿Dónde te gustaría trabajar algún día?

Me encantaría poder probar suerte en mi ciudad natal, Buenos Aires, pero lamentablemente es algo que tengo en mis sueños ya que si la situación económica no mejora no creo que pueda ganarme la vida como podría hacerlo aquí en Europa.

Muchos escenógrafos sueñan con trabajar en grandes teatros como el Real, pero a mi personalmente me llama más la atención el trabajo dentro de un taller de escenografía, lo que sería ensuciarme con los materiales, trabajar in situ con el decorado. Y por qué no, el cine. Eso sería para mí llegar al punto álgido de mi carrera y por suerte hay grandes posibilidades ya que, y esto lo lamento, los escenógrafos son los que tienen más probabilidad de encontrar trabajo una vez acabada la carrera.

¿De qué trabajo te sientes más orgulloso?

Es difícil decidir, pero creo que con el que mejor he trabajado y me he sentido a gusto ha sido justamente el más pequeñito que he realizado, “Las Metamorfósis” del que tengo varias fotografías y un vídeo en mi página web. Me siento orgulloso más que nada porque fue un trabajo que realizamos más por el amor al arte, y como no podía ser de otra forma con ese título, estaba basado en el texto de Kafka, algo también en común con el director que era checo y la actriz dentro de la obra que era eslovaca. Lo más gratificante fue trabajar con gente de diferentes culturas y de otros países en conjunto como una unidad.

¿Tienes algún otro hobbie?

Sí, me dedico a dibujar, me da algo de vergüenza mostrar algunas cosas que hago pero la gente me dice que he logrado llegar a tener cierto estilo propio y que debería de hacer algo con esto. No creo que sea para tanto y tampoco quiero enrollarme contando lo que he hecho hasta ahora, pero pueden ver gran parte de ellos en mi página web.

Foto: www.teatrotriangulo.com

Con la llegada de septiembre, muchos dicen adiós a las vacaciones estivales para hacer frente a la cruda realidad, la vuelta al trabajo. Pero, este mes tampoco está tan mal. Con septiembre se inicia una nueva temporada y aprovechando los últimos coletazos del verano podemos hacer muchas actividades en nuestra ciudad.

Si eres madrileño o estás aquí de pasada te propongo un plan: la Sala Triángulo como siempre, nos permite disfrutar de fantásticas y divertidas obras de teatro a un precio bastante asequible.

Para este mes os recomiendo “Boyfriend” un proyecto artístico y lleno de creatividad que combina danza contemporánea, teatro y vídeo.

El espectáculo hace una reflexión, a través del humor,  sobre las relaciones entre los hombres y las mujeres, las formas de conquista, de convivencia, de imágenes establecidas en el universo del amor.

En la obra, una mujer vestida de novia llora, grita y corre desesperadamente por todo el escenario. Busca algo desesperada. ¿Busca a su novio? ¿Busca a un novio? ¿A cualquiera?…

Los vínculos que impone la sociedad, el legado familiar, los medios de comunicación… todo dispara en el comportamiento de las mujeres, un modelo concreto de feminidad, un camino aparentemente escrito y que se manifiesta en su cuerpo, en su forma de ser y de pensar en relación con los demás.

Foto: Sala Triángulo

El Festival Visible ’09 llega a su fin tras tres semanas en las que la cultura LGBT se ha manifestado orgullosa en la ciudad de Madrid.

El festival culmina con  Six Lives y Encuentro Casual tercer espectáculo que presenta la compañía Interferencia  Danza bajo la dirección de Alfonso Cayetano.

Con Six Lives, Cayetano presenta una obra basada en las relaciones humanas, llena de color y con ciertas notas de humor, en la que trata de buscar el otro yo que habita en cada uno de nosotros a través de la danza.

Con una estética muy plástica, pop y ochentera y mezclando la danza con el video arte, Six Lives conforma una alusión a la excesiva individualidad que fomenta el estilo de vida actual.

La otra pieza breve, Encuentro Casual, nos lleva a comprender que todo puede cambiar en un instante. Cualquier cosa puede ser motivo suficiente para lograrlo.

Durante el espectáculo se desencadenan situaciones inesperadas donde la pasión, el egoísmo, el romanticismo e incluso el honor están presentes.

Si has vivido todo el festival, la verdad es que no te puedes perder este doble espectáculo que pone broche final a los últimos días de fiesta. Compra tu entrada y pásate por la Sala Triángulo (Madrid) este fin de semana.

Foto: Escuela de Teatro y Danza de Extremadura

La Escuela de Teatro y Danza de Extremadura ha finalizado un nuevo curso académico y, para celebrarlo, los  alumnos que finalizan sus estudios han representado ‘Divinas Palabras’, de Valle Inclán, en diversos teatros de la comunidad. Hemos hablado con José Luis Montero, profesor de la Escuela y director de esta compañía teatral, que nos cuenta lo que supone para los futuros actores esta pequeña gira por los escenarios extremeños.         

¿Cómo se han  preparado los futuros actores para representar la obra? ¿Desde cuándo la llevan preparando ?

Cada uno de ellos tiene más de un personaje y cada protagonista de la obra se ha construido de una forma  distinta. Por un lado están los personajes centrales, representados  a través de una técnica más naturalista y por otro,  los coros que se encargan de transmitir las acotaciones de la obra. Estos últimos son mucho más grotescos, llevan máscara y son más retorcidos. Hemos tenido en cuenta que  Divinas Palabras es una de las comedias bárbaras con las que se inicia el Esperpento. Los personajes de la obra, aunque también tienen su parte grotesca, son representados de una forma más naturalista.

¿Por qué eligieron ‘Divinas Palabras’?

Es una obra de mucha calidad y con muchos personajes. Esto nos permite que los siete actores que participan en la obra experimenten varios registros, desde la farsa o el esperpento hasta el expresionismo. Son más de veinte personajes y todos van a hacer más de uno. Para nosotros es un reto representar una obra de Valle Inclán porque es difícil y nos permite sacar lo mejor de cada uno.       

¿Qué supone para ustedes representar esta obra de Valle Inclán por varios teatros extremeños?

Como he dicho antes es un reto representar este texto. Para la mayoría de los actores han sido las primeras veces que se han subido al escenario de manera profesional. Supone un premio para todos el acabar la carrera y actuar en varios teatros extremeños.    

¿Han introducido algún cambio en la representación?

Hemos añadido una pequeña dramaturgia, pero los cambios son mínimos. También hemos quitado algunas escenas con el fin de adaptar la multitud de personajes a los siete actores con los que contamos. Nuestra intención ha sido la de respetar el texto lo máximo posible.    
  
¿Qué requisitos son necesarios para estudiar en la Escuela de Danza?

Como requisito académico es necesario el título de Bachillerato. En cuanto a las actitudes, queremos alumnos que tengan el ‘gusanillo del teatro’ dentro y que también posean ciertas dosis de chispa o talento. Lo más importante es que tengan ganas de contar historias a través del teatro y la danza.      

Coméntenos a grandes rasgos como preparan a sus alumnos durante el curso.

En primer curso tenemos asignaturas como Historia del Arte, Danza, Interpretación, Esgrima… Todas las asignaturas tienen Formación Teórica y práctica. En cursos posteriores tenemos Caracterización, Ortofonía…     

¿Hay nuevos talentos extremeños en disciplinas como el teatro o la danza? ¿Hay  algún alumno de la escuela  que haya conseguido reconocimiento a nivel nacional o internacional?  

En nuestra escuela tenemos ya algunos alumnos que apuntan maneras, aunque creo que todos tienen mucho talento. La escuela tiene sólo diez años por lo que aún es pronto para que nuestros antiguos alumnos hayan adquirido popularidad. Hay mucha gente que ya está trabajando en el teatro extremeño y algunas personas actúan ya en Madrid. Aún  no tenemos ninguna figura, aunque nunca se sabe…    

¿Qué supone para usted impartir clase en la escuela?

Es una experiencia maravillosa en la que aprendo muchísimo de ellos. Es muy gratificante ver como mejoran plasmado en un escenario.   

¿Cómo se encuentra la  situación de estas Artes Escénicas en Extremadura?   
 
Vivimos un momento complicado porque hay muchas compañías, se hace mucho teatro, y eso es bueno,  aunque la calidad de las compañías es diversa y hay de todo.    

¿Qué le diría a una persona que está pensando matricularse en su escuela? 

Que no venga con falsas expectativas. Es necesario trabajar mucho y muy duro, más de lo que en principio se piensa, para terminar la carrera. Sin embargo, es un trabajo muy gratificante.             

La Escuela se ha trasladado en el último año desde Olivenza hasta Cáceres, ¿qué ha supuesto para ustedes este cambio?  

Es el primer año que la escuela  tiene su sede en Cáceres porque anteriormente  estábamos en Olivenza y eso se nota. Es un edificio rehabilitado en pleno corazón de la parte antigua, lo que para nosotros es un lujo. Tenemos poquitos alumnos, pero muchos proyectos y ganas de salir adelante. Con el traslado hemos ganado mucha vida, ahora que estamos en Cáceres esperamos tener muchos más alumnos

Foto: Blog del festival

Se trata de un nuevo tipo de teatro, que quiere ante todo dar la oportunidad a los jóvenes en riesgo de exclusión social de dar a conocer sus capacidades, integrándose con otros chicos de su edad españoles y de otros países formando una divertida y “artística” convivencia.

Estoy hablando de I Festival Internacional Juvenil de Teatro Social y Teatro del Oprimido ‘Sin Telón 2009’, que acaba de estrenarse en Barcelona con la idea como digo de promover la cultura de la paz entre los más jóvenes a través del teatro social.

Este grupo lo conforman seis grupos de teatro social que se han unido bajo la misma causa para hacer reflexionar a todos que las diferencias las ponemos los demás, pero que los jóvenes en situación de exclusión y de barrios periféricos que participan en estos talleres, tienen muchísimo que aportar.

Precisamente, estos grupos se han coordinado en un plan conjunto de actuación y han creado la Plataforma de Entidades de teatro social y Teatro de las Oprimidas de Cataluña. Tienen además el apoyo del Consejo de Juventud de Barcelona.

Además, si asistes a estas representaciones, te puedes llevar una sorpresa divertida, ya que el espectáculo está pensado para que el público participe activamente como parte de la acción dramática, ¡incluso pueda modificar la historia de los personajes de la obra! 

Si te interesa, podrás verles en El Espacio Joven de Gràcia de Barcelona. Pero es que además las actividades no acaban con el tetro.  Un festival con muchas y muy variadas actividades están previstas hasta el 5 de julio, con temáticas como la diferencia de género, temas de ecología, derechos humanos, racismo e inmigración. El público también podrá realizar todo tipo de talleres de formación gratuitos donde se intentará razonar y dar soluciones a las problemáticas planteadas.